To Days of Art inG Greece προτείνει:

“Το Μαύρο Τετράγωνο της Φαντασίας”, Digital revolution,

“ΑΙΓΑΙΩ_ Τραγούδια”, [in]visible territories

και άλλες εκθέσεις για το Νοέμβριο!

 

 

 

 

“Από τον Κόσμο των Comics και των Cartoons” στην Στοart Κοραή

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Eγκαίνια της έκθεσης των καλλιτεχνών Απόστολου Γιαγιάννου & Γιάννη Κουτσούρη την Τρίτη 8 Σεπτεμβρίου, στις 8 μ.μ.

 

“Από τον Κόσμο των Comics και των Cartoons” στην Στοart Κοραή

(Κοραή 4, εντός της στοάς)

Με κοινό σημείο εκκίνησης την τριβή τους στο πεδίο των γραφικών τεχνών και τις εκλεκτικές τους συγγένειες με τον κόσμο των κόμικς και των καρτούν, οι δύο καλλιτέχνες αναπτύσσουν έναν διάλογο που αναδεικνύει το έντονα προσωπικό εικαστικό τους ιδίωμα και φωτίζει, υπό το πρίσμα των γραφικών τεχνών, στιγμές της μέχρι τώρα πορείας τους.

Ο χώρος τέχνης “Στοart Κοραή” υποδέχεται  περιοδικές εκθέσεις τέχνης και στεγάζει το Αρχείο Νεοελληνικής Τέχνης του Δημήτρη Παπαγεωργόπουλου.

Διάρκεια έκθεσης: 8 Σεπτεμβρίου έως 30 Οκτωβρίου 2015

Info: 210 3252352

 

Αικατερίνη Γεγησιάν: [in]visible territories στη Kalfayan Galleries

 

 

 

 

 

 

Οι Kalfayan Galleries παρουσιάζουν στην Αθήνα την ατομική έκθεση της ελληνίδας εικαστικού με έδρα τη Μεγάλη Βρετανία, Αικατερίνης Γεγησιάν. Η καλλιτέχνις είναι μια από τους συμμετέχοντες στο φετινό βραβευμένο με το Χρυσό Λέοντα Περίπτερο της Αρμενίας στην 56η Μπιενάλε της Βενετίας. Στην τρίτη ατομική της έκθεση στην γκαλερί, η Γεγησιάν εκθέτει μέρος της δουλειάς της από τη Βενετία με τίτλο A Small Guide to the Invisible Seas. Αυτή αποτελείται συνολικά από επτά ενότητες έργων με κολάζ (όλες συμπεριλαμβάνονται στο ομώνυμο βιβλίο της εικαστικού που υπάρχει στην έκθεση), εκ των οποίων οι τρεις εκτίθενται ακόμα στο Περίπτερο της Αρμενίας (The Sea of Echoes, The Sea of Actions, The Sea of Waves) και οι υπόλοιπες τέσσερις παρουσιάζονται στην παρούσα έκθεση (The Sea of Reflections, The Sea of Passions, The Sea of Departures, The Sea of Images).

Οι παράλληλες αυτές εκθέσεις δημιουργούν έναν ενεργό διάλογο ανάμεσα στις δύο πόλεις (Βενετία-Αθήνα) και σηματοδοτούν την ολοκλήρωση της συγκεκριμένης ενότητας.

Με αφετηρία την εν εξελίξει έρευνά της για έννοιες κληρονομιάς, κοινωνικών ερεθισμάτων, υπόστασης των φύλων και εθνικής ταυτότητας, η Γεγησιάν χρησιμοποιεί στο έργο της ένα τεράστιο έντυπο υλικό όπως φωτογραφικά λευκώματα  και τουριστικούς οδηγούς των δεκαετιών 1960 με 1980. Ο διαχωρισμός των εικόνων που παρουσιάζουν βιομηχανικά περιβάλλοντα, ιστορικούς και αρχαιολογικούς χώρους, θρησκευτικά μνημεία και ειδυλλιακά τοπία, παράγει τη σύνθεση και την ανάδυση μιας νέας αφήγησης. Εμπλουτισμένα με αυτοβιογραφικές αναφορές της καταγωγής της καλλιτέχνιδος, καθένα από τα κολάζ ξετυλίγει απεικονίσεις της Σοβιετικής Αρμενίας, Τουρκίας και Ελλάδας. Η σύνδεση τοπογραφικών στοιχείων μεταξύ, απ’ ό,τι εκ πρώτης όψεως φαίνεται, ανόμοιων γεωπολιτικών περιοχών, διαφορετικών αρχιτεκτονικών τυπολογιών και εθνολογικών συντήξεων, όχι μόνο αποπλανεί τον θεατή στην αποκωδικοποίηση των στρωμάτων εικονογράφησης αλλά επίσης εγγράφεται η υποκείμενη αναλογία της αμοιβαίας και παράλληλης τροχιάς με την ανάδυση νέων τοπογραφιών. Η ένωση αυτών των πολυποίκιλων γεωγραφικών τόπων ξετυλίγεται διαμέσου διαδικασιών του συλλογικού ασυνειδήτου, δίνοντας έμφαση σε έναν ετερόκλητο διαπολιτισμικό λόγο.

Μια σειρά τριών μικρότερων ενοτήτων εγκαθιδρύει την ‘υπερσύνδεση’ των τεσσάρων Θαλασσών. Φέροντας τους τίτλους The Red Line, Sea Blues και A Place in the Sun αντίστοιχα, η νέα αυτή δουλειά ακολουθεί την αισθητική του A Small Guide to the Invisible Seas χρησιμοποιώντας την μέθοδο του κολάζ αρχειακών εικόνων, η οποία ενδυναμώνεται και ενεργοποιείται αυτήν τη φορά διαμέσου της παρουσίας ενός επιπρόσθετου και επίθετου δικτύου γραμμών. Αντανακλώντας προηγούμενους πειραματισμούς αποδόμησης των ήδη υπαρκτών φορμών σε αστικά περιβάλλοντα, η Γεγησιάν τώρα χρησιμοποιεί λιτές και μονές γραμμές για να υποδηλώσει την αφαιρετική διαδικασία και το εικαστικό λεξιλόγιο του αφηρημένου κονστρουκτιβισμού. Αυτό με τη σειρά του παραπέμπει σ’ έναν από τους τρόπους ελέγχου που πραγματοποιούσαν οι επίσημοι φορείς λογοκρισίας της πρώην Σοβιετικής Ένωσης, Glavlit και Goskomizdat, κάτι που γινόταν καθ’ ολοκληρία στο έντυπο υλικό τουλάχιστον μέχρι τα τέλη του 1980. Σε αυτές τις τρεις ενότητες οι γραμμές μεταλλάσσονται σε φορείς διερεύνησης αντιτασσόμενων ιδεολογικών παραδόσεων και κοινωνικών δομών, εμφανίζονται ως συνειδησιακοί άξονες νοητικής αποδόμησης της χωροταξικής αναγνωρισιμότητας.

Η προβολή 40 διαφανειών (Formless Forms) ανταποκρίνεται στο χρωματικό ρεπερτόριο των εικόνων που χρησιμοποιήθηκαν από τις δεκαετίες του 1960 μέχρι το 1980. Η μετάβαση των χρωμάτων κατά τη διάρκεια της ημέρας και η επίδρασή της στην όραση του ανθρώπου αποτελεί επίσης ένα από τα ενδιαφέροντα της Γεγησιάν. Ορατά -φυσικά ή τεχνητά- τοπία διαμορφώνονται διαδοχικά και συγχρόνως αφανίζονται από το χρώμα και το φως του ηλίου. Αυτό που αρχικά μοιάζει να είναι ξεκάθαρα ορατό ξαφνικά παρουσιάζεται ρευστοποιημένο, διαφανές και αόρατο, ένας σχηματισμός από κατακερματισμένες μορφές, ενώ ο προσανατολισμός άδοξα δίνει τη σκυτάλη στην αίσθηση του αποπροσανατολισμού.

Αυτό το φυσικό και πανταχού παρόν trompe-l’œil ενέχει τη δυσνόητη ψευδαίσθηση της ασυνέχειας από την αρχαιότητα μέχρι σήμερα.

 

Επιμελητής:  Δρ Κώστας Πράπογλου

KalfayanGalleries, Χάριτος 11, Αθήνα, 10675

Εγκαίνια: 8 Οκτωβρίου, 20.00 – 22.00

8 Οκτωβρίου – 14 Νοεμβρίου 2015

Σύντομο βιογραφικό Σημείωμα

Η Αικατερίνη Γεγησιάν ζει και εργάζεται στο Ηνωμένο Βασίλειο και την Ελλάδα. Το πολυδιάστατο έργο της διερευνά το πώς λειτουργούν οι εικόνες στο πλαίσιο του παγκοσμιοποιημένου περιβάλλοντος των ΜΜΕ, περιβάλλον που διαμορφώνει το ασυνείδητο και συνειδητό περιεχόμενο νέων δυνατοτήτων σκέψης. Το 2014 ολοκλήρωσε το διδακτορικό της (PhD) στο Πανεπιστήμιο του Westminster (Λονδίνο) και ήταν επισκέπτρια πανεπιστημιακή καλλιτέχνις στο Πανεπιστήμιο της Pensilvania (ΗΠΑ). Φέτος ήταν μια από τους καλλιτέχνες που εξέθεσαν στο Αρμενικό Περίπτερο της 56ης Μπιενάλε της Βενετίας, το οποίο έλαβε τον Χρυσό Λέοντα για την καλύτερη εθνική συμμετοχή. Το έργο της έχει παρουσιαστεί σε μπιενάλε: 6th Moscow Biennale (Ρωσία), 3rd Mardin Biennale (Τουρκία), 2nd Tallin Photomonth (Εσθονία), 1st Μπιενάλε Θεσσαλονίκης (Ελλάδα) and 6th Gyumri Biennale (Αρμενία), και έχει εκτεθεί σε πολλά ιδρύματα, μεταξύ των οποίων CAC-LA Traverse (Αλφορτβιλ, Γαλλία), NARS Foundation (Νέα Υόρκη), Peltz Gallery, Κολέγιο Birkbeck (Λονδίνο), Μουσείο Καλών Τεχνών του Vladikafkaz (Βόρεια Οσετία, Ρωσία), Κέντρο Σύγχρονης Τέχνης (Θεσσαλονίκη), Spike Island Gallery (Μπρίστολ), Oberhausen Film Festival (Ομπερχάουζεν, Γερμανία), Videoformes Festival (Γαλλία). Έργα της βρίσκονται σε σημαντικές ιδιωτικές και μουσειακές συλλογές. Εκπροσωπείται από τις Kalfayan Galleries, Αθήνα-Θεσσαλονίκη

 

Επεξηγηματικές Εικόνες. Ακολουθίες και Παραπομπές.

Έκθεση ζωγραφικής και βίντεο – εγκατάστασης της Ιωάννας Ασσάνη

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Επεξηγηματικές Εικόνες. Ακολουθίες και Παραπομπές.

Έκθεση ζωγραφικής και βίντεο – εγκατάστασης της Ιωάννας Ασσάνη στο Κέντρο Τεχνών του Δήμου Αθηναίων

Η Ιωάννα Ασσάνη συστήνεται στο αθηναϊκό κοινό στην πρώτη ατομική της έκθεση ζωγραφικής και βίντεο – εγκατάστασης «Επεξηγηματικές Εικόνες. Ακολουθίες και Παραπομπές.», που παρουσιάζει ο Οργανισμός Πολιτισμού, Αθλητισμού και Νεολαίας του Δήμου Αθηναίων στο Κέντρο Τεχνών του στο Πάρκο Ελευθερίας από 23 Οκτωβρίου έως 7 Νοεμβρίου.

Η έκθεση, την οποία επιμελείται ο ομότιμος καθηγητής ιστορίας τέχνης του Αριστοτελείου, Εμμανουήλ Μαυρομμάτης, παρουσιάζει τρεις εγκαταστάσεις στο χώρο που λειτουργούν με αντίστοιχες ζωγραφικές βιντεοπροβολές, τις ζωγραφικές εργασίες επεξηγηματικών εικόνων της καλλιτέχνιδος, σχέδια και ψηφιακές εικόνες και προβολές. Την έκθεση παρακολουθεί η ηχητική εγκατάσταση του μουσικοσυνθέτη Βασίλη Αβδελά.

Κεντρική ιδέα της έκθεσης είναι ένα σύστημα ανάλυσης των εικόνων σε επιµέρους εικόνες-συνιστώσες τους που προκύπτουν διαδοχικά από το εσωτερικό τους και από αυτές τις εικόνες-συνιστώσες, αναλύει την κάθε µια σε προηγούμενες επιµέρους εικόνες συνιστώσες τους εκ νέου από το εσωτερικό τους, κ.ο.κ. Το αποτέλεσμα είναι να προκαλείται ένα «κεντρομόλο» ζωγραφικό σύστημα και μια ανάλυση λογικά και συστηματικά πολυπλοκότερη. Ως προς αυτή τη ζωγραφική εργασία η ιδέα της Ιωάννας Ασσάνη ήταν να αντιπαραθέσει στη συνέχεια το «κεντρομόλο» σύστημα με το «κεντρόφυγο» και αυτό είναι το θέμα των τριών εγκαταστάσεων με τη μορφή «χωνιού» της κάθε μιας στην έκθεση, όπου στην πρώτη προβάλλεται και βυθίζεται η «κεντρομόλα» εικόνα, στη δεύτερη αναδύεται η «κεντρόφυγα» εικόνα και στην τρίτη εναλλάσσονται διαδοχικά, η «κεντρομόλα» και η «κεντρόφυγα». Το σύστημα των προβολών παραπέμπει στην προοπτική πρόσληψη που εκπέμπει από το βλέμμα ένα πεδίο σε μορφή κυρτής γωνίας και σαρώνει το τοπίο του κόσμου και στην αντανάκλαση της ίδιας σάρωσης ως επιστροφή, στη σφαιρική καμπυλότητα του βλέμματος. Το σύνολο της εργασίας της εικαστικού αναζητά να αποδώσει, μέσω της εικόνας, συστήματα ανάλυσης της εικόνας και συστήματα οργάνωσης της εικόνας. Το πώς η εικόνα ανασύρει την προέλευσή της από τα κομμάτια που τη συνθέτουν είναι το ευρύτερο θέμα αυτής της εργασίας που αποβλέπει να μεταφέρει στην πραγματική, υλική «επιπεδότητα» της ζωγραφικής επιφάνειας, τις μνήμες που αναφέρονται σε ένα ψευδαισθητικό βάθος.

Η Ιωάννα Ασσάνη είναι απόφοιτος της Σχολής Καλών Τεχνών του Αριστοτελείου Πανεπιστημίου Θεσσαλονίκης και ζει και εργάζεται στη Θεσσαλονίκη. Η εργασία της ερευνά να αποδώσει μηχανισμούς των εικόνων.

Πρόσφατα, πριν από ένα μήνα, στο Γαλλικό Ινστιτούτο Θεσσαλονίκης πραγματοποίησε στο πλαίσιο της ατομικής της έκθεσης, την εγκατάσταση ενός συστήματος που οργανώνει τη συνεχή καταγραφή, σε μια ηλεκτρονική οθόνη, των μετακινήσεων στον αρχιτεκτονικό χώρο του Ινστιτούτου ως σχέσεις της έκτασης  του βάθους του χώρου και των κινητών, των επίπεδων πεδίων της οθόνης, η οποία υποκαθιστά τη ζωγραφική «επιπεδότητα». Τα πρόγραμμα  χρηματοδοτήθηκε από γαλλικό οργανισμό Mission Laïque Française και το Γαλλικό Ινστιτούτο Θεσσαλονίκης και η δημιουργός του αποβλέπει στο μέλλον σε μια ευρύτερη ανάπτυξη αυτών των ερευνών σε πολυπλοκότερους σχεδιασμούς ειδικά των σχέσεων χώρου, έκτασης και πεδίων του κτηρίου. Η εργασία της Ιωάννας Ασσάνη ερευνά να αποδώσει μηχανισμούς των εικόνων.

Η είσοδος για το κοινό είναι ελεύθερη.

Εγκαίνια έκθεσης: Παρασκευή 23 Οκτωβρίου, ώρα 8μ.μ.

Κέντρο Τεχνών Δήμου Αθηναίων:

Βασ. Σοφίας, Πάρκο Ελευθερίας, τηλ. 210 72 24 028

Στάση ΜΕΤΡΟ: Μέγαρο Μουσικής

  Έκθεση στη Στέγη – Digital revolution

 

 

 

 

 

 

 

Μια επαναστατική έκθεση φιλοξενείται στη Στέγη Γραμμάτων και Τεχνών του Ιδρύματος Ωνάση. Μια αφήγηση της  ιστορίας της ψηφιακής τεχνολογίας που έχει πλέον γίνει αναπόσπαστο μέρος κάθε πτυχής της καθημερινότητας μας.

Η έκθεση DigitalRevolutionξεκίνησε το ταξίδι της από το Barbiganστο Λονδίνο, συνέχισε στο Μουσείο Tekniskaστη Στοκχόλμη, ενώ η Στέγη στην Αθήνα είναι η τρίτη της στάση πριν συνεχίσει την πορεία της στον υπόλοιπο κόσμο.

Σε χώρους εντός αλλά και εκτός του κτιρίου ο επισκέπτης θα περιπλανηθεί, θα δει, θα αγγίξει και θα γνωρίσει την εξέλιξη της ψηφιακής τεχνολογίας στον τομέα του κινηματογράφου, της μουσικής, των εικαστικών τέχνών, και βέβαια του gaming. Όσοι ζήσαμε τη δεκαετία του ‘70 και του ‘80 θα θυμηθούμε «ηλεκτρονικά παιχνίδια» και υπολογιστές που σήμερα φαίνονται πρωτόγονοι, ανήκουν άλλωστε στο χώρο της ψηφιακής αρχαιολογίας, αλλά την εποχή που εμφανίστηκαν προκάλεσαν επανάσταση και βέβαια άνοιξαν το δρόμο για νεώτερες επινοήσεις και εφαρμογές.

Ωστόσο, η έκθεση προσφέρει και μια «ματιά» στο μέλλον. Ο επισκέπτης «ανοίγει τα φτερά του», ζωγραφίζει με λέιζερ, δημιουργεί πεταλούδες με τη φωνή του και τελικά συμμετέχει σε μα εμπειρία και μια διαδρομή που ξεκινά από τη δεκαετία του 1970 για να καταλήξει στο μέλλον.  Έκθεση στη Στέγη - Digital revolution

20 Οκτωβρίου 2015 — 10 Ιανουαρίου 2016

Από το Pac-Man, το SuperMarioκαι το Tetrisμέχρι το Gravity και το Inception, από την Björkμέχρι τον will.i.amτων BlackEyedPeas, από τον SteveJobsκαι τον SteveWozniakμέχρι την Επαυξημένη Πραγματικότητα και τη βιομηχανική επανάσταση του 3D printing, η πρωτοποριακή έκθεση Digital Revolution παρουσιάζει την επίδραση της ψηφιακής τεχνολογίας στην εξέλιξη των Τεχνών, του design, της μουσικής, της μόδας, του κινηματογράφου και των videogames. Το μέλλον είναι εδώ και είναι φτιαγμένο από αλγόριθμους και pixels.

Αν είναι να δείτε μία έκθεση στη ζωή σας, δείτε αυτή! Μια έκθεση που θα σας πάρει το μυαλό.

Μια έκθεση-εμπειρία! Για όλη την οικογένεια.

Μετά το Κέντρο Τεχνών Barbican του Λονδίνου και το Μουσείο Tekniska της Στοκχόλμης, η Στέγη του Ιδρύματος Ωνάση φιλοξενεί την επαναστατική και άκρως διαδραστική έκθεση ψηφιακών τεχνών, με έναν τίτλο που δεν αφήνει περιθώρια για αναλογικές παρανοήσεις, αλλά μόνο για ψηφιακές βεβαιότητες: Digital Revolution.

26 χρόνια μετά την επινόηση του World Wide Web από τον Sir Tim Berners-Lee, που έβαλε το πρώτο τουβλάκι στο τζένγκα του σημερινού Ίντερνετ, η έκθεση Digital Revolution (Ψηφιακή Επανάσταση) αποτυπώνει την εξέλιξη της ψηφιακής τεχνολογίας, συγκεντρώνοντας για πρώτη φορά στον ίδιο χώρο ένα πολυσυλλεκτικό φάσμα από εικαστικούς καλλιτέχνες, κινηματογραφιστές, αρχιτέκτονες, designers, μουσικούς και προγραμματιστές παιχνιδιών, που χρησιμοποιούν τα ψηφιακά μέσα για να διευρύνουν τα δημιουργικά όριά τους.

Από την arcade εποχή τoυ παιχνιδιού Pong και τον εθισμό με τα ζουμερά φρουτάκια επιβράβευσης του λαίμαργου Pac-Man, στα ψηφιακά εφέ του οσκαρικού sci-fi φιλμ Gravity του Alfonso Cuarón ή του διαστημικού έπους Star Wars με τους Τζεντάι και τα φωτόσπαθα, αλλά και στην τρισδιάστατη εγκατάσταση θεάτρου σκιών του Αμερικανού σκηνοθέτη και digital artist Chris Milk (η οποία ψηφιοποιεί τη φιγούρα σου, μεταλλάσσοντάς την σε έναν υβριδικό, new age Ίκαρο), ήρθε πλέον η ώρα να αποκρυπτογραφήσουμε στα σοβαρά την ερωτική σχέση μας με τον hi-tech κόσμο.

Μια έκθεση-φεστιβάλ του digital δεν θα μπορούσε να μην έχει τα μάτια και όλο το «είναι» της στραμμένα στο μέλλον, καθώς είναι άμεσα συνυφασμένη μαζί του. Σε αυτό τον άξονα καταγράφονται οι διαδοχικές διαδρομέςτου ψηφιακού υπερεγώ μας με όλες τις ορατές αντανακλάσεις και τα παραφερνάλιά του: ο δημιουργικός προγραμματισμός, η DIY κουλτούρα μέσω των εξατομικευμένων παραγωγών, οι ψηφιακές κοινότητες και, τέλος, οι δημιουργικές δυνατότητες που προσφέρουν η επαυξημένη πραγματικότητα (augmented reality), η τεχνητή νοημοσύνη, οι φορέσιμες τεχνολογίες (wearable technologies) και η τρισδιάστατη εκτύπωση (3D printing).

 

Αναλυτικά, οι ενότητες της έκθεσης:

 

Digital Archaeology / Ψηφιακή Αρχαιολογία

Η ενότητα Digital Archaeology εξυμνεί τις στιγμές που αποτέλεσαν ορόσημα για την ψηφιακή δημιουργικότητα στους χώρους των εικαστικών τεχνών, του design, του κινηματογράφου, της μουσικής και των βιντεοπαιχνιδιών και φωτίζει τον καταιγιστικό ρυθμό της τεχνολογικής αλλαγής. Η ενότητα αυτή είναι χωρισμένη χρονολογικά και καταγράφει ανά δεκαετία το διάστημα από το 1970 έως το 2010.

 

We Create / Εμείς Δημιουργούμε

Στην ενότητα We Create, εξετάζεται η μεταστροφή από τον καταναλωτή περιεχομένου στον παραγωγό περιεχομένου, ως αποτέλεσμα των άμεσα διαθέσιμων ψηφιακών εργαλείων, τα οποία σε πολλές περιπτώσεις διατίθενται δωρεάν. Τα έργα αυτής της ενότητας δείχνουν πώς η ψηφιακή τεχνολογία έχει δημιουργήσει νέες ευκαιρίες για καλλιτεχνική έκφραση.

 

Creative Spaces / Δημιουργικοί Χώροι

Η ενότητα Creative Spaces δείχνει με ποιον τρόπο οι συμβατικές έννοιες του χρόνου, του χώρου και της αφήγησης μπορούν να αναπλαστούν με τη χρήση ψηφιακών εργαλείων.

Πώς δουλεύουν σήμερα οι animators; Η ενότητα ξεκινά ρίχνοντας μια ματιά στον κόσμο των οπτικών εφέ (VFX) του χολλυγουντιανού κινηματογράφου. Από την παραγωγή εικόνων από υπολογιστή (CGI) και την τρισδιάστατη αναπαραγωγή της κίνησης με γραφικά (previsualisation) έως τις παραμετροποιημένες κατασκευές, όπως το lightbox, η σημερινή βιομηχανία των οπτικών εφέ χαρακτηρίζεται από τεχνολογικές καινοτομίες και μια δημιουργική προσέγγιση στην κινηματογραφία.

 

Sound and Vision / ΉχοςκαιΕικόνα

Η ενότητα Sound and Vision διερευνά την οπτικοποίηση της μουσικής, μέσα από τη ματιά μουσικών, εικαστικών καλλιτεχνών, κινηματογραφιστών και σκηνογράφων. Η έκρηξη των τεχνολογιών της εικόνας έχει επηρεάσει όχι μόνο τους ήχους που ακούμε, αλλά επίσης το στυλ με το οποίο τους βλέπουμε να αλλάζουν για πάντα την εμφάνιση και την αίσθηση της μουσικής.

 

State of Play / Κατάσταση Παιχνιδιού

Η ενότητα State of Play ρίχνει μια ματιά στους τρόπους με τους οποίους οι καλλιτέχνες και οι σχεδιαστές παιχνιδιών έχουν πειραματιστεί με τις έννοιες του παιχνιδιού και της χειρονομίας χρησιμοποιώντας τις τεχνολογίες της κάμερας.

Τα έργα τέχνης της ενότητας αυτής δείχνουν πώς έχουν αντιστραφεί πλέον οι ρόλοι του θεατή και του υπολογιστή: εκεί όπου άλλοτε ο παίκτης παρακολουθούσε μια οθόνη και αλληλεπιδρούσε μέσω ενός απλού ελεγκτή χειρός, σήμερα ο υπολογιστής είναι αυτός που παρακολουθεί προσεκτικά τον παίκτη. Όπως λέει και το διαφημιστικό σλόγκαν: ΕΣΥ είσαι ο ελεγκτής.

 

DevArt

Η DevArt προκαλεί ευθέως τη διαδεδομένη αντίληψη του τι είναι κώδικας προγραμματισμού και τι τέχνη. Πρόκειται για μια εξύμνηση της τέχνης που δημιουργείται με κώδικα, από καλλιτέχνες που εξωθούν τις δημιουργικές δυνατότητες – εκεί όπου η τεχνολογία αποτελεί τον καμβά τους και ο κώδικας την πρώτη ύλη τους.

 

OurDigitalFutures/ Τα Ψηφιακά μας Μέλλοντα

Η ενότητα Our Digital Futures παρουσιάζει μια επιλογή ορισμένων από τους πιο πειραματικούς και εστιασμένους στο μέλλον καλλιτέχνες, αρχιτέκτονες και designers. Με ιδιαίτερη έμφαση στο σώμα και στο περιβάλλον μας, τα πρότζεκτ καλύπτουν τους χώρους των cyborg και των τεχνολογιών που φοριούνται (wearable technologies), των drones και των «μεγάλων» δεδομένων.

 

Indie Games Space / Χώρος Ανεξάρτητων Βιντεοπαιχνιδιών

Το Indie Games Space συγκεντρώνει βιντεοπαιχνίδια που δημιουργήθηκαν χωρίς αρχική υποστήριξη από κάποια εταιρεία της βιομηχανίας του χώρου.

 

http://www.sgt.gr/gre/SPG1530/

 

Εκθεσιακός χώρος, φουαγιέ & σε χώρους περιμετρικά της Στέγης

 

Ωράριο λειτουργίας:

ΔΕ – ΠΕ και ΚΥΡ 12:00–21:00 (τελευταία είσοδος στις 20:00)

ΠΑΡ και ΣΑ 12:00–22:00 (τελευταία είσοδος στις 21:00)

Ο επισκέπτης αγοράζει εισιτήριο με δυνατότητα εισόδου στην έκθεση εντός του συγκεκριμένου ημιώρου που αναγράφεται στο εισιτήριο που προμηθεύτηκε.

Μπορεί να παραμείνει στην έκθεση με το ίδιο εισιτήριο έως 4 ώρες.

Για μια ολοκληρωμένη περιήγηση στην έκθεση, θα χρειαστείτε 1,5 – 2,5 ώρες.

Δεν γίνονται ξεναγήσεις στη συγκεκριμένη έκθεση.

Τιμές εισιτηρίων:
Κανονικό: 5€ προπώληση – 7€ πόρτα

Μειωμένο: 3€ προπώληση – 4€ πόρτα

Δωρεάν: Παιδιά έως 5 ετών

Άνεργοι: 2€ (μόνο από τα εκδοτήρια της Στέγης με την επίδειξη της κάρτας)

Οικογενειακό ή μικρή ομάδα 4-6 ατόμων (με 1 ή 2 ενήλικες και παιδιά): 12€ προπώληση – 17€ πόρτα

Ομαδικό 7+ άτομα κάθε ηλικίας: 3€ προπώληση – 4€ πόρτα

ΑΜΕΑ & συνοδός: 3€ έκαστος (μόνο από τα εκδοτήρια της Στέγης με την επίδειξη της κάρτας)

2η επίσκεψη: 4€ πόρτα  (μόνο από τα εκδοτήρια της Στέγης με την επίδειξη του παλιού εισιτηρίου)

Παράλληλες εκδηλώσεις

ΕΚΠΑΙΔΕΥΤΙΚΑ ΠΡΟΓΡΑΜΜΑΤΑ ΓΙΑ ΠΑΙΔΙΑ, ΕΦΗΒΟΥΣ, ΟΙΚΟΓΕΝΕΙΕΣ
GENERATION D
Νοέμβριος – Δεκέμβριος 2015
Η νέα γενιά είναιψηφιακή!Τρία εργαστήρια ψηφιακής τέχνης γιαπαιδιά και εφήβουςμε αφορμή την έκθεση Digital Revolution.

ΕΡΓΑΣΤΗΡΙΟ 1: Κωδικός «Πεταλούδα», Εργαστήριο δημιουργίας ψηφιακών ευχών με τη χρήση κώδικα προγραμματισμού για παιδιά 6-10 ετών & γονείς

Ημερομηνίες: Σάββατο 7 Νοεμβρίου & Κυριακή 8 Νοεμβρίου 2015 / 11:00 – 12:30

Κόστος συμμετοχής: 5 € για το κάθε παιδί και 5 € για τον κάθε ενήλικα
ΕΡΓΑΣΤΗΡΙΟ 2: Ένα βιβλίο που φωτίζει και μιλάει! Εργαστήριο δημιουργίας διαδραστικού pop-up βιβλίου για παιδιά 9 έως 12 ετών

Ημερομηνίες:  Κυριακές  15, 22, 29  Νοεμβρίου  & 6, 13 Δεκεμβρίου 2015 / 11:00 – 14:00

Κόστος συμμετοχής: 45 € (και για τις πέντε συναντήσεις)
ΕΡΓΑΣΤΗΡΙΟ 3: Η ιαπωνική τέχνη origami στα χέρια των εφήβων. Εργαστήριο διαδραστικών χάρτινων κατασκευών με χρήση τεχνολογίας για εφήβους 12-16 ετών

Ημερομηνίες:  Από το Σάββατο 19 Δεκεμβρίου  έως την Τετάρτη 23 Δεκεμβρίου 2015 (εκτός Δευτέρας  21 Δεκεμβρίου)/ 11:00 – 14:00

Κόστος συμμετοχής: 36 € (και για τις τέσσερις συναντήσεις)

ΕΚΠΑΙΔΕΥΤΙΚΟ ΠΡΟΓΡΑΜΜΑ ΓΙΑ ΣΧΟΛΕΙΑ ΣΤΟ ΠΛΑΙΣΙΟ ΤΗΣ ΕΚΘΕΣΗΣ DIGITAL Revolution
Ψηφιακή δημιουργικότητα: Από το Pac-Man…στη 3D εκτύπωση! Εκπαιδευτικό πρόγραμμα για σχολεία στο πλαίσιο της έκθεσης Digital Revolution.
Απευθύνεται σε μαθητές από Δ΄Δημοτικού μέχρι και Γ΄Λυκείου
Οκτώβριος – Δεκέμβριος 2015
Κόστος συμμετοχής: 3 € ανά μαθητή

 

“Το Μαύρο Τετράγωνο της Φαντασίας” Έκθεση Φίλιππος Γεώργιος Τσινταβής στη Γκαλερί Έρση

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Το Μαύρο Τετράγωνο της Φαντασίας”

Φίλιππος Γεώργιος Τσινταβής

Διάρκεια έκθεσης   15 Οκτωβρίου έως  5 Νοεμβρίου  2015 στην  Γκαλερί Έρση

Ο καλλιτέχνης Φίλιππος Γεώργιος Τσινταβής παρουσιάζει την πρώτη του ατομική έκθεση με τίτλο «Το μαύρο τετράγωνο της Φαντασίας». Πρόκειται για την προσπάθειά του να προσεγγίσει το αντικείμενο αλλά κυρίως να δώσει σε αυτό μια νέα διάσταση με γνώμονα τη φαντασία.

Μαύρα τετράγωνα από τα οποία εξέρχονται ή εισέρχονται αντικείμενα, ζώα, ποιήματα και ό,τι άλλο μπορούμε να φανταστούμε. Το μαύρο τετράγωνο της φαντασίας είναι ένας χώρος φανταστικός και μυστηριώδης. Τα αντικείμενα που το περιβάλλουν αποδίδονται με απλές φόρμες ή λέξεις που περιμένουν τη φαντασία για να ολοκληρωθούν. Πίσω από κάθε αντικείμενο ή υποκείμενο κρύβονται διάφορες ιστορίες υπαρκτές και μη υπαρκτές. Καλείται ο καθένας να τις ανακαλύψει ή να δημιουργήσει καινούριες. Με το μαύρο τετράγωνο της φαντασίας οι μορφές αλλάζουν, μεταλλάσσονται, μεταμορφώνονται και μέσα από αυτό παρουσιάζονται ιστορίες σε εξέλιξη. Από ένα χώρο περνούν σε έναν άλλο και μεταβάλλονται διαρκώς. Το μαύρο τετράγωνο της φαντασίας μετατρέπει το αντικείμενο από υλικό και άψυχο σε κάτι το έμβιο και έμψυχο. Έτσι η απλή καρέκλα ξεκινά να ίπταται εγκαταλείποντας τη φυσική της ροή και όψη. Το μαύρο τετράγωνο της φαντασίας θα λέγαμε πως λειτουργεί σαν φίλτρο εμπειριών και συνάμα χώρος πηγαίας φαντασίας. Ο καλλιτέχνης διαλέγει σαν σχήμα το τετράγωνο για την τελειότητά του, την λεπτότητά του και την άμεση κατανόησή του από τον ανθρώπινο νου. Το τετράγωνο είναι κάτι οικείο.

Τα έργα αυτά είναι χαρακτικά σχέδια σε ξύλο, τυπωμένα σε χαρτί από βαμβάκι(ξυλογραφίες) και ανήκουν στη θεματική ενότητα «Το μαύρο τετράγωνο της φαντασίας». Μαύρες φιγούρες σε άσπρο φόντο.

«Το μαύρο τετράγωνο της φαντασίας είναι τόπος ευημερίας!

…δίνει ζωή σε καθετί και με μια δύναμη μοναδική τόσο τα αντικείμενα όσο τον άνθρωπο μετακινεί…».

Ο Φίλιππος Γεώργιος Τσινταβής γεννήθηκε στην Αθήνα το 1990 όπου και μεγάλωσε. Από την παιδική του ηλικία διδάχτηκε σχέδιο και ζωγραφική την οποία σπούδασε στην Ακαδημία Καλών Τεχνών Brera στο Μιλάνο (2009-2015). Στα πέντε χρόνια φοίτησής του στη σχολή καταπιάστηκε με τη ζωγραφική, τη γραφιστική τέχνη (χαρακτική, ξυλογραφία, λιθογραφία, μεταξοτυπία και εναλλακτικές τεχνικές χαρακτικής), τη γλυπτική, το videoart, το design, το fashiondesign όπως επίσης και τα θεατρικά κουστούμια. Το 2012 καταθέτει την πρώτη του εικονογραφημένη ποιητική συλλογή (artist’sbook) με τίτλο «Οικείες Ιστορίες» που εξέδωσαν οι εκδόσεις Γαβριηλίδη. Η συγγραφή και η ποίηση είναι χαρακτηριστικά της δουλειάς του άκρως συνδεδεμένα με την εικόνα. Η τέχνη του εννοιολογική και με μονοχρωματική διάθεση. Τα χρόνια των σπουδών του συμμετείχε σε διάφορους εικαστικούς διαγωνισμούς και ομαδικές εκθέσεις στην Ιταλία, την Ελλάδα και την Ισπανία.

 

 

Γκαλερί  Έρση ׃ Κλεομένους 4 – Κολωνάκι

Τηλ.-Φαξ: 2107220231 galersi@ath.forthnet.gr, galleryersi@gmail.com (press),   www.ersi.gr

Ώρες λειτουργίας ׃ Δευτέρα – Παρασκευή 11.00 – 14.30 & 17.00-20.00

Σάββατο 11.00 – 14.30 , Κυριακή κλειστά

 

  Έκθεση “ΑΙΓΑΙΩ_ Τραγούδια” στο Μουσείο Λαϊκής Τέχνης και Παράδοσης «Αγγελική Χατζημιχάλη»

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Στην ανάγνωση ενός ποιητικού δρόμου καλούν τους θεατές οι Φοίβη Γιαννίση και Ίρις Λυκουριώτη μαζί με τις ΑΙΓΕΣ στην έκθεση ΑΙΓΑΙΩ_ Τραγούδια, που παρουσιάζει ο  Οργανισμός Πολιτισμού, Αθλητισμού και Νεολαίας του Δήμου Αθηναίων στο Μουσείο Λαϊκής Τέχνης και Παράδοσης «Αγγελική Χατζημιχάλη» από 22 Οκτωβρίου έως 20 Νοεμβρίου.

Η έκθεση έχει ως κύριο θεματικό άξονα την κτηνοτροφία αιγών στον ελληνικό χώρο, ενώ η λέξη ΑΙΓΑΙΩ λειτουργεί ως υπόμνηση του ευρύτερου αιγαιακού χώρου ως γεωγραφία, αλλά και ως γη των αιγών. Η παρουσίαση βασίζεται σε μελέτες – καταγραφές έρευνας πεδίου σε μικρά νησιά του Αιγαίου και στα βοσκοτόπια της Θεσσαλίας.

Αξίζει να σημειωθεί ότι οι εκθέτριες επέλεξαν το Μουσείο Λαϊκής Τέχνης και Παράδοσης «Αγγελική Χατζημιχάλη» για την πραγματοποίηση της έκθεσης, καθώς επιθυμούν το θέμα τους να οδηγήσει σε έναν ανοιχτό διάλογο με το κτίριο – οικία και το έργο της σπουδαίας Ελληνίδας λαογράφου Αγγελικής Χατζημιχάλη, η οποία υπήρξε μελετητήρια του κατεξοχήν κτηνοτροφικού πληθυσμού των Σαρακατσάνων.

Στην έκθεση κινούμαστε μεταφορικά στα σύγχρονα βοσκοτόπια της Θεσσαλίας παρακολουθώντας τον κύκλο ζωής της γίδας στα χειμαδιά μίας ομάδας Βλάχων κτηνοτρόφων. Τα ίχνη της διαδρομής αποτελούν ήχοι, βίντεο και επιτελεστικά κείμενα/συσκευές. Η ομάδα αντιλαμβάνεται την διαδικασία δημιουργίας της έκθεσης ως μηρυκασμό του αρχικού υλικού καταγραφής και ανάγνωσης.

Τα επιτελεστικά κείμενα/συσκευές δημιουργούν ένα τοπίο στην κεντρική σάλα και την τραπεζαρία που αναφέρεται στην τραγ-ωδία συνθέτοντας μία καρναβαλική περιβολή για πολυφωνική ανάγνωση. Η περιβολή ακολουθεί σημεία του σώματος του ζώου σε αναλογία με τον αρχαίο τραγικό ερμηνευτή (ΚΟΥΔΟΥΝΙΑ, ΥΠ-ΩΔΗΜΑΤΑ/ΚΟΘΟΡΝΟΙ, ΤΡΑΓ-ΩΔΕΙΟ, ΚΕΡΑΣ, ΑΙΓΙΣ/ΠΡΟΣΩΠΕΙΟ). Οι συσκευές/κείμενα μεταμορφώνουν το σώμα σε ένα γραμμένο ον ανάμεσα στο ζωικό και στο ανθρώπινο, ανάμεσα στο θηλυκό και το αρσενικό, ένα είδος νέου Πανός που εκφωνεί ΤΡΑΓ-ΟΥΔΙΑ δηλαδή ΩΔΕΣ ΤΩΝ ΤΡΑΓΩΝ.

Το έργο ΑΙΓΑΙ-Ω εκπηγάζει από μία έρευνα που οι Φοίβη Γιαννίση και Ίρις Λυκουριώτη έχουν ξεκινήσει εδώ και τρία χρόνια με θέμα την κτηνοτροφία αιγών στον ελληνικό χώρο, ηπειρωτικό και νησιωτικό, στο πλαίσιο της νέας μετα-ανθρωπιστικής συνθήκης. Το ΑΙΓΑΙ-Ω τοποθετεί στο κέντρο το ζώο και τον κύκλο ζωής του καθώς και τις πρακτικές της σύγχρονης κτηνοτροφικής ζωής και απλώνεται μεταφορικά σε θέματα εξουσίας (χωρικής, κοινωνικής και φυλετικής) και ιστορίας.

 

Στο πλαίσιο της έκθεσης θα πραγματοποιηθούν δύο βραδιές performance στηριγμένες στα επιτελεστικά κείμενα/συσκευές της έκθεσης και μία διαλογική βραδιά.

 

Αναλυτικά:

Πέμπτη 22 Οκτωβρίου| ώρα 7.30μ.μ.

Εγκαίνια έκθεσης και Performance πολυφωνικής ποίησης «ΤΡΑΓΟΥΔΙ Ι»

Συμμετέχουν: Πάκυ Βλασσοπούλου, Φοίβη Γιαννίση, Κατερίνα Ηλιοπούλου, Φάνης Καφαντάρης, Πατρίτσια Κολαΐτη, Χρυσάνθη Κουμιανάκη, Ηρώ Μαζαράκη, Ισαβέλλα Μαρτζοπούλου, Μαρίζα Νικολάου, Άννα Παγκάλου, Φώτης Ροβολής, Χαρά Στεργίου και Μάριος Χατζηπροκοπίου

Παρασκευή 23 Οκτωβρίου| ώρα 7.30μ.μ.

Διαλογική βραδιά «Βίοι και Πολιτείες της Αιγαιακής Χώρας»

Λεωνίδας Εμπειρίκος, Ο γύπας, ο λύκος και η γίδα (και ο φουρνός)

Ελευθερία Δέλτσου, Από τους τράγους και τα κριάρια του Α. Blok στις κατσίκες που (δεν) μασάνε ταραμά

Ιωάννα Λαλιώτου, Περί μετα-ανθρωπισμού: Σημειώσεις ενός οδοιπορικού

Κωστής Βελώνης, H γλυπτική της αυτάρκειας και η υπαίθριο-ποίηση της πόλης

Μιράντα Τερζοπούλου, Μια βοσκοπούλα αγάπησα

Πάνος Πανόπουλος, Τα κουδούνια και οι φωνές τους

Παρασκευή 6 Νοεμβρίου| ώρα 7.30μ.μ.

Performance πολυφωνικής ποίησης «ΤΡΑΓΟΥΔΙ  ΙΙ»

Συμμετέχουν: Πάκυ Βλασσοπούλου, Φοίβη Γιαννίση, Κατερίνα Ηλιοπούλου, Φάνης Καφαντάρης, Πατρίτσια Κολαΐτη, Χρυσάνθη Κουμιανάκη, Ηρώ Μαζαράκη, Ισαβέλλα Μαρτζοπούλου, Κοσμάς Νικολάου, Μαρίζα Νικολάου, Άννα Παγκάλου, Φώτης Ροβολής, Χαρά Στεργίου και Μάριος Χατζηπροκοπίου

 

Η είσοδος για το κοινό είναι ελεύθερη.

Μουσείο Λαϊκής Τέχνης & Παράδοσης Δήμου Αθηναίων «Αγγελική Χατζημιχάλη»:

Αγγ. Χατζημιχάλη 6, Πλάκα, τηλ.: 210 3243987, 210 3243972

Ώρες λειτουργίας: Τρίτη έως Παρασκευή 09:00-19:00, Σάββατο & Κυριακή 09:00-14:00